Sélection des bibliothécaires – avril 2025
Une acquisition rare, un sujet inédit, un éclairage sur la période 1848-1914 : dans « La sélection des bibliothécaires », chaque mois, les bibliothécaires du musée d’Orsay vous proposent un regard sur une sélection de quelques ouvrages qu’ils ont souhaité mettre en avant.
Vous pouvez également retrouver l’ensemble des ouvrages, et en particulier toutes les dernières nouveautés mensuelles, sur le site de la bibliothèque de la conservation du musée d’Orsay consultable via le Réseau des bibliothèques des musées nationaux (RBMN).
La sélection de la bibliothèque de ce mois vous est proposée par Alexandre Battaglia [A. B.], Laurent Boucher [L. B.], Julien Graff [J. G.], Julie le Guillou [J. L. G.] et Vincent Pierrot [V. P.].

Henri Fantin-Latour, La Liseuse, 1861
Photo © GrandPalaisRMN (musée d’Orsay) / Hervé Lewandowski

Cote 8 R 966
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Victor Claass, Pascale Cugy, Charlotte Foucher Zarmanian et François-René Martin (dir.), En couple. Historiennes et historiens de l’art au travail, Paris, Éditions de la Sorbonne, 2024.
Couples, partenaires, binômes, duos : le travail collaboratif entre historiens et historiennes de l’art a favorisé des manières de voir et de penser une construction des savoirs matérialisée par une écriture partagée, mais souvent hiérarchisée en faveur de l’une des deux composantes, majoritairement la figure masculine. Les rivalités, tout comme les phénomènes d’effacement volontaires ou dictés par les normes sociales, interrogent la notion d’auctorialité et d’assignation dans l’écriture collaborative, en histoire de l’art, au XIXe et au XXe siècle. La complémentarité des savoirs et des méthodes comme la répartition nécessaire des recherches ont créé une émulation à quatre mains et deux regards pour Gertrud Bing et Aby Warburg, Beaumont Newhall et Nancy Wynne, Georges Henri Rivière et Nina Spalding, Walter Peter et John Ruskin, quelques-uns de ces couples, pris au sens large, évoqués dans cet ouvrage issu de la journée d’études « Penser, travailler, écrire à deux » organisée le 7 octobre 2020 à l’INHA et qui a exploré des domaines tout aussi divers que l’architecture, la photographie ou la mode. L. B.

Cote 4 P 585
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Alexandra Loske, The Artist’s Palette: the Palettes behind the Paintings of 50 Great Artists, Londres, Thames and Hudson, 2024.
Dans cet ouvrage, Aleksandra Loske, historienne de l’art et spécialiste de la couleur, nous plonge au cœur des pratiques picturales de grands artistes. En explorant l’utilisation des peintures et des pigments, elle dévoile des perspectives inédites sur la manière dont ils ont su manier couleurs, pinceaux, couteaux à palette et autres outils pour donner vie à leurs toiles. L’autrice présente cinquante palettes accompagnées d’œuvres emblématiques des peintres qui les ont utilisées, révélant à travers une analyse minutieuse le rôle fondamental de la couleur, du coup de pinceau et des techniques employées.
L’ouvrage se distingue par une riche iconographie, mêlant photographies de palettes, de peintures et de pigments, et invite le lecteur à une réflexion sur les matériaux et les outils. Chaque palette, qu’elle soit en bois traditionnel, en céramique ou en pot de peinture, recèle une histoire à raconter, reflet de la vie et de l’époque de l’artiste. En ce sens, Loske nous offre non seulement une analyse des pratiques artistiques, mais également une nouvelle manière d’appréhender l’art, à travers le prisme des outils qui façonnent les chefs-d’œuvre. J. L. G.

Cote B DES 6 2
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Thierry Pelloquet (dir.) et Florian Stalder, Jules Desbois. L’élan dans le marbre, Nantes, Éditions 303, « Carnets d’Anjou », 2023.
Jules Desbois fait partie des nombreux artistes reconnus au XIXe siècle et que l’histoire a peu à peu oubliés. Né à Parçay-les-Pins (Maine-et-Loire) en 1851, ce brillant sculpteur s’était lié d’amitié avec Auguste Rodin lorsqu’ils étaient tous deux praticiens. Dès lors, les deux hommes s’influencèrent mutuellement et développèrent une relation d’égal à égal. Artiste prolifique, Desbois fit de nombreux envois au Salon tout au long de sa carrière, ce qui lui permit non seulement de se faire un nom, grâce à la critique et aux médailles, mais également de recevoir un nombre important de commandes de la part de l’État. Comme certains de ses contemporains, Desbois s’intéressa à la figuration de la réalité des corps, s’inspirant de la nature et les représentant tout en souplesse et en force. Il s’appliqua également à représenter l’emprise du temps sur les chairs, inspirant Claudel et Rodin pour Clotho et L’Hiver.
Richement illustré, cet ouvrage, qui prend place dans la collection des « Carnets d’Anjou », revient sur la vie de Jules Desbois, de son enfance à sa mort, et met en lumière l’exceptionnel talent d’un sculpteur qui fut à tort considéré comme un simple praticien de Rodin. Par la diversité des matériaux utilisés comme par la variété des sujets traités, Desbois s’est illustré comme un artiste incontournable de la fin du XIXe et du début du XXe siècle. J. G.

Cote B MIC 8 1
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Hector Michaut, ébéniste oublié de l’Art nouveau (catalogue d’exposition, Vandoeuvre-lès-Nancy, Ferme du Charmois et Société lorraine des amis des arts et des musées, 7-29 octobre 2023), Frédéric Descouturelle et Anne Billant, Nancy, Éditions de la SLAAM, 2023.
Originaire de l’Yonne, menuisier-ébéniste de formation, Hector Michaut découvre le courant artistique de l’École de Nancy alors qu’il effectue son service militaire à la fin des années 1890 dans cette ville de garnison de l’Est de la France. Cette rencontre détermine son souhait de s’y installer et de travailler dans la manufacture de Louis Majorelle et peut-être dans l’atelier d’Eugène Vallin, avant d’y établir son propre atelier, jusqu’à ce que la Première Guerre mondiale bouleverse ce parcours. Établi à Paris après la guerre, il y diffuse alors le style nancéien.
Cet ouvrage, qui accompagnait l’exposition présentée à Vandoeuvre-lès-Nancy en 2023, a été donné à la bibliothèque du musée d’Orsay par Anne Billiant, arrière-petite-fille d’Hector Michaut, opiniâtre descendante qui a rassemblé les archives familiales pour les exposer et faire connaître cet artiste oublié, dont les œuvres ont parfois fait l’objet d’attributions erronées, parfois volontairement. Les notices des photographies, dessins, meubles et objets exposés nous donnent à voir une vie tout entière consacrée aux arts appliqués. L. B.

Cote 8 O 399
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Geoffray Riondet (dir.), Bijoux anciens, 1800-1950. Découvrir, identifier et apprécier, Paris, Flammarion, 2021.
Ce livre s’intéresse aux bijoux créés entre 1800 et 1950, une période charnière dans l’histoire de la bijouterie. Il met en lumière la transition du bijou, longtemps porteur de symboles religieux et sociaux, vers une fonction principalement ornementale et d’apparat. Toutefois, même si sa signification s’est modifiée au fil du temps, le bijou continue de révéler des indices précieux sur la société de son époque, qu’ils soient économiques, sociaux ou religieux.
À travers une présentation soignée et richement illustrée, l’auteur explore une multitude de styles qui se succèdent pendant cette période. Cet ouvrage, véritable guide d’initiation, est agrémenté de dessins, photographies et documents d’archives permettant au lecteur d’acquérir une compréhension approfondie de l’évolution du bijou ancien. Il se clôt par une liste des grandes maisons de joaillerie de l’époque, offrant ainsi un précieux outil de références pour les chercheurs. J. L. G.

Cote B CAD 2 1
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La Bottega Cadorin. Una dinastia di artisti veneziani (catalogue d’exposition, Venise, Palazzo Fortuny, 26 novembre 2016 – 27 mars 2017), Jean Clair et Daniela Ferretti (dir.), Trévise, Antiga Edizioni, 2017.
Cette exposition organisée en 2017 au Palazzo Fortuny, sous la direction de Jean Clair et de Daniela Ferretti, retrace le destin d’une lignée d’artistes italiens : les Cadorin, originaires de Pieve di Cadore, s’installèrent à Venise dès le XVIe siècle et y ont maintenu une présence artistique constante jusqu’à nos jours. Le catalogue témoigne de leur créativité dans toutes les disciplines : Vincenzo (1854-1925), sculpteur, graveur, ébéniste, représentant de l’Art nouveau en Italie, eut trois fils dont deux furent également sculpteurs, Ettore et Romeo, tandis que le troisième, Guido, se consacra à une peinture de « Style Liberty », aux couleurs douces et chaudes, et à d’importants travaux d’arts décoratifs (décor de la maison des D’Annunzio, mosaïques pour l’abside de l’église San Giusto à Trieste).
Guido épousa Livia Tivoli, une peintre dont la prédilection allait au portrait ou à des représentations de la nature qui touchent par leur trait sobre et gracieux ; le père de Livia, Augusto Tivoli (1856-1951) fut un photographe remarquable notamment par ses vues de Venise. À travers ces artistes raffinés, très méconnus en France pour la plupart, c’est aussi le contexte artistique vénitien qui est abordé. L’ouvrage incarne cette histoire au plus près, par des archives photographiques familiales dues à Augusto Tivoli, et surtout par le recueil des souvenirs d’Ida Barbarigo, fille de Guido et de Livia, décédée peu après l’exposition et créatrice d’une peinture onirique, au croisement de la figuration et de l’abstraction. Elle fut la compagne de Zoran Mušič, peintre et graveur, auquel un chapitre est également consacré. A. B.

Cote B FLO 4 3
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Hercule Florence e o Brasil. O percurso de um artista-inventor (catalogue d’exposition, São Paulo, Pinacoteca do Estado de São Paulo, 12 décembre 2009 – 14 mai 2010), Leila Florence (dir.), São Paulo, Pinacoteca do Estado de São Paulo, 2010.
Issu du fonds Guy Cogeval, le catalogue d’exposition Hercule Florence e o Brasil retrace le parcours d’un artiste protéiforme à la découverte du Nouveau Monde. Florence est embauché comme deuxième dessinateur pour une mission d’exploration scientifique de l’intérieur des terres brésiliennes, financée par le tsar Alexandre Ier. Le voyage dure presque trois ans (de 1826 à 1829), dans des conditions éprouvantes. Les documents de la mission ont été archivés durant plus d’un siècle à l’Académie impériale de Russie à Saint-Pétersbourg et n’ont été redécouverts qu’en 1930. Ses esquisses de ciels et de paysages, ses études de la faune et de la flore, ses portraits des indiens Guatós font de ses carnets des ouvrages de référence sur le Brésil du début du XIXe siècle.
Jusqu’à sa mort en 1879, Hercule Florence rédige des textes scientifiques ainsi que son journal. Il détaille ses recherches novatrices sur des nouveaux procédés d’impression, notamment la polygraphie et la pulvographie, et aussi sur le développement photographique dont il est aujourd’hui reconnu comme un précurseur. Ce « nouveau Robinson » a largement contribué à cartographier le Brésil ainsi que ses traditions. Une saison culturelle dédiée à la relation France-Brésil d’avril à décembre 2025 marque l’occasion de redécouvrir cet artiste et inventeur touche-à-tout au parcours hors du commun. V. P.

Cote B ROD 1 237
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Los Arrepentimientos de Rodin (catalogue d’exposition, Salamanque, Musée de l’Université, janvier-mars 2002), Jacques Vilain, Claudie Judrin et Hélène Pinet (dir.), Barcelone, Fondation “la Caixa”, 2001.
Le musée Rodin conserve dans ses collections de nombreuses études, très précieuses par leur qualité intrinsèque autant que par ce qu’elles nous apprennent sur le processus de création de l’artiste. Une partie conséquente de ce fonds, notamment l’album constitué par Charles Bodmer, contient des photographies qui furent un matériau important dans les recherches artistiques de Rodin : reproductions d’œuvres d’art ou portraits ont non seulement servi de modèles mais ont en outre fait l’objet d’annotations et de retouches directement apportées sur les documents par la main du sculpteur. Rodin superpose un contour, souligne un détail ; il copie, prolonge ou transpose ; mais surtout il esquisse, à partir de photographies de ses propres sculptures, des corrections qui pour la plupart ne seront pas exécutées sur les œuvres elles-mêmes mais qui existent du moins ainsi, à l’état virtuel.
L’hypothèse de l’exposition réalisée en collaboration avec le musée Rodin, montrée au musée de l’Université de Salamanque en 2002, consiste à proposer que l’observation de ces « repentirs » permet une reconstitution de la dynamique créatrice à l’œuvre chez Rodin. Cette dernière frappe ici par son refus de l’achèvement dans la conception de l’œuvre, par la priorité perfectionniste accordée à la variation et à la retouche ainsi que par la circulation réciproque, à la fois critique et esthétique, opérée entre les deux dimensions du papier et les trois dimensions de la sculpture. A. B.
OpenEdition vous propose de citer ce billet de la manière suivante :
Centre de ressources et de recherche (3 avril 2025). Sélection des bibliothécaires – avril 2025. Le carnet des musées d’Orsay et de l’Orangerie. Consulté le 7 décembre 2025 à l’adresse https://doi.org/10.58079/13ofi
