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Sélection des bibliothécaires – mai 2025

Une acquisition rare, un sujet inédit, un éclairage sur la période 1848-1914 : dans « La sélection des bibliothécaires », chaque mois, les bibliothécaires du musée d’Orsay vous proposent un regard sur une sélection de quelques ouvrages qu’ils ont souhaité mettre en avant.

Vous pouvez également retrouver l’ensemble des ouvrages, et en particulier toutes les dernières nouveautés mensuelles, sur le site de la bibliothèque de la conservation du musée d’Orsay consultable via le Réseau des bibliothèques des musées nationaux (RBMN).

La sélection de la bibliothèque de ce mois vous est proposée par Alexandre Battaglia [A. B.], Matthieu Bonicel [M. B.] Julien Graff [J. G.], Julie le Guillou [J. L. G.] et Vincent Pierrot [V. P.].

Cette peinture représente une jeune femme debout dans un intérieur simple, près d'une fenêtre. Elle est vêtue d'une ample jupe bleu-gris et d'un chemisier blanc et orange. Elle est face au spectateur et baisse les yeux vers le livre qu'elle tient de ses deux mains, à hauteur de la poitrine, comme cherchant la lumière qui émane de la fenêtre.

Léon Delachaux, La Lecture, vers 1907
Photo © musée d’Orsay (dist. GrandPalaisRMN) / Patrice Schmidt

Cote B BON 3 172
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Cet ouvrage concis est publié dans le cadre de l’exposition-dossier « Bonnard, la nature comme étendard » organisée au musée Bonnard (Le Cannet) du 22 mars au 8 juin 2025. Le propos de l’exposition s’articule autour du développement du lien profond entre l’œuvre du peintre et la nature, depuis son enfance en Isère jusque plus tard dans des lieux isolés. L’œuvre principale de l’exposition est La Symphonie pastorale, prêtée par le musée d’Orsay et mise en valeur dans le cadre de l’opération « 100 œuvres qui racontent le climat ».
Réalisée pour un important ensemble décoratif commandé par les frères Bernheim, La Symphonie pastorale incarne une vision de la nature en parfaite unité avec l’être humain, ses couleurs vives et sa lumière douce créant une atmosphère de sérénité. Le catalogue, en complément de l’exposition, nous invite à réfléchir à la fragilité de la nature et à son rôle fondamental dans l’équilibre humain.   J. L. G.


Cote B BON 3 171
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La découverte des estampes japonaises ouvre à Bonnard des horizons nouveaux et participe à son émancipation de l’enseignement reçu à l’École des beaux-arts de Paris. Cheminant par petites touches, il puise dans les gravures populaires le sens de l’épure, épouse les traits et les lignes claires issues de scènes de la vie quotidienne, ravive et éclaircit sa palette de couleurs jusqu’à ce que la lumière jaillisse de ses motifs. Dans la seconde moitié du XIXe siècle, l’art japonais renouvelle en profondeur les approches esthétiques qui prédominent alors en Occident avec les aplats de couleurs, les lignes de contours, le sens de la perspective en diagonale et sans profondeur, les plans rapprochés ou encore les vues à vol d’oiseau.
Dès son jeune âge, Bonnard collectionne les estampes de l’ukiyo-e. C’est la fréquentation de ces œuvres, tout au long de sa vie, qui l’engage sur la voie de la modernité. Bonnard doit au Japon l’empreinte gaie, enjouée et dynamique de son œuvre peint. Il perpétue le sens du mouvement dans un cadre fixe, tout en prêtant attention à une multitude de détails discrets et fugaces dont il inonde ensuite ses toiles. Son art capte des instants suspendus, « des impressions éphémères qu’il consigne à la manière de haïkus dans ses carnets » comme le souligne la commissaire d’exposition, Isabelle Cahn, dans l’essai inaugural du catalogue.   V. P.


Cote 4° E 2025 2
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À la fin du XIXe siècle, l’influence de l’œuvre d’Auguste Rodin s’observe sur la production artistique de ses contemporains, dans les sujets abordés comme dans le traitement plastique des corps. Cependant, au tournant du XXe siècle, bon nombre de ces sculpteurs, dont une partie de ses praticiens, vont chercher à s’émanciper de l’artiste. C’est dans ce contexte qu’Eugène Blot organise, en 1905, une exposition ayant pour objectif de mettre en avant deux artistes qu’il juge mériter davantage de reconnaissance : Camille Claudel et Bernhard Hoetger. Leurs parcours s’étaient déjà croisés ; ils furent ici réunis par le besoin qu’ils eurent de rompre avec l’héritage de Rodin.
Le musée Paula Modersohn-Becker (Brême), le musée Camille-Claudel (Nogent-sur-Seine) et l’Alte Nationalgalerie (Berlin) présentent l’exposition « Camille Claudel and Bernhard Hoetger. Emancipation from Rodin » qui revient sur la carrière de ces deux artistes en prenant pour point de départ, 120 ans après, l’exposition de 1905.   J. G.


Éminents historiens de l’art, anciens professeurs à l’École du Louvre, Chantal et Pierre Georgel ont joué un rôle décisif dans l’histoire des musées d’Orsay et de l’Orangerie. Conservatrice en chef au musée d’Orsay, Chantal Georgel y a réalisé de nombreuses expositions et a travaillé sur la mise en contexte des collections ; Pierre Georgel, spécialiste de l’œuvre graphique de Victor Hugo, a dirigé le musée de l’Orangerie de 1993 à 2007. Le couple a par ailleurs bâti, sur près d’un demi-siècle, une collection d’art extraordinairement riche, consacrée principalement aux XIXe et XXe siècles, qui a fait l’objet d’une donation exceptionnelle par son ampleur (625 œuvres) au musée de La Piscine en 2024.
L’organisation de l’exposition dédiée à ce legs a été confiée aux donateurs et a été réalisée en collaboration avec de nombreux historiens d’art, de sorte qu’est proposé au lecteur du catalogue un regard à la fois personnel et scientifique sur la collection. Cette dernière présente un large éventail de techniques, en premier lieu de magnifiques dessins et estampes ; elle privilégie les petits formats, qui font des œuvres ces « compagnons d’une vie » adaptés au cadre privé ; elle démontre de plus une inclination avertie pour la relation entre les arts et la littérature. Le catalogue précise enfin que Chantal et Pierre Georgel ont également fait don au musée de leur bibliothèque d’histoire de l’art, laquelle constituera un outil précieux pour les chercheurs dans les années à venir.   A. B.


De par sa nature changeante, ses couleurs et les lumières qui l’animent, le ciel est un sujet complexe pour les peintres. C’est aussi cette complexité qui a fait de lui, et fait encore, un objet de fascination pour de nombreux artistes. Dans cet ouvrage, Daniel Bergez revient sur la représentation du ciel en peinture du Moyen Âge à la fin du XXe siècle en s’intéressant aux codes de la représentation artistique de chaque période. Du ciel utilisé comme toile de fond pour des scènes mythologiques et bibliques, peuplé de putti ou de saints, au ciel surréaliste de Magritte, les peintres n’ont eu de cesse de réinventer ce sujet.
L’auteur évoque également les différentes réflexions qui peuvent émaner de la contemplation de ces représentations de la voûte céleste, tant sur le plan esthétique que philosophique mais aussi sur le plan historique, les ciels changeant au fur et à mesure du temps, en se chargeant de vapeur et de fumée comme chez Monet par exemple. Cette approche nouvelle d’un sujet omniprésent en peinture, mais encore jamais traité de cette façon, est étayée d’analyses techniques et scientifiques tout en restant une invitation au rêve et à la méditation.   J. G.


Cote B CEZ 1 253
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Sa vie durant, l’écrivain Charles Juliet a entretenu un dialogue avec l’œuvre de Cézanne. Scrutant minutieusement les tableaux du peintre, il retrace les grandes étapes de son accomplissement. Ces deux textes réunis, dont une lettre qu’il adresse à l’artiste, témoignent d’un face-à-face au cœur de l’acte de création. Cézanne cherche la vérité dans sa forme la plus simple et dépouillée et travaille inlassablement pour se défaire des couches superficielles. Lorsqu’il peint aux côtés de Pissarro à Pontoise, il apprend à « éclaircir sa palette, fragmenter les touches plutôt que d’étaler la pâte, et surtout à peindre ce qu’il voit ». Pour restituer le plus fidèlement possible cette sensation qu’il éprouve, Cézanne apprend au fil du temps à « dépeindre », terme également employé par l’écrivain norvégien Jon Fosse. L’écrivain admire par-dessus tout le parcours de l’artiste qui se découvre, se clarifie, dénoue le fil de son rapport au monde, simplifie le regard qu’il porte sur les choses et rend le geste qui en découle plus authentique. Ce faisant, la peinture de Cézanne s’approche au plus près du vivant, de la terre et des paysages âpres de Provence, révélant les forces telluriques de la nature. À force de travail, d’audace et de connaissance de lui-même, il parvient à relier l’œil qui voit sans fard et, dans son prolongement, la main qui peint.     V. P.


Cote 4 E 2017 60
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Le Museo nazionale Collezione Salce, à Trévise, en Italie, a ouvert en 2017 suite à un don fait à l’État italien par le collectionneur Ferdinando Salce (dit Nando, 1877-1962). Ce dernier avait débuté en 1895 une collection d’affiches et de divers supports publicitaires, aujourd’hui estimée à 25 000 pièces.
Cet ouvrage, qui a accompagné l’exposition inaugurale « La Belle Époque », constitue une anthologie graphique des premières affiches publicitaires de la fin des années 1880 au début de la Première Guerre mondiale. On y trouve un répertoire iconographique organisé, comme l’exposition elle-même, en quatre sections : « Paris café chantant », « classicisme et arabesques », « sécessions et horreur du vide », « la nouvelle publicité ». Les textes comprennent une présentation des chefs-d’œuvre de la période, une histoire de la collection avant qu’elle ne devienne un musée et, pour finir, un ensemble d’articles qui présentent les travaux ayant permis la transformation de cette collection privée en institution nationale. Ce livre est à mettre en regard du catalogue de l’exposition « L’art est dans la rue » organisée au musée d’Orsay du 18 mars au 06 juillet 2025, disponible à la bibliothèque sous la cote 4 E 2025 6).   M. B.


Cote B VGO 1 283 (2-1) à B VGO 1 283 (2-6)
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Steven Naifeh et Gregory White Smith ont publié en 2011 une conséquente biographie de Van Gogh, dont une traduction française a ensuite été éditée chez Flammarion en 2013. Ce travail, long de dix ans, a suscité plusieurs milliers de pages de notes qui, pour des raisons d’espace, n’ont pu figurer dans le livre : elles ont été publiées à part dans le présent ouvrage en six volumes, qui par son exhaustivité constitue une somme de connaissances inestimable sur la vie de l’artiste. Y sont identifiées les sources de toutes les citations utilisées dans la biographie et d’innombrables informations additionnelles sur le contexte ; de plus, les auteurs convoquent abondamment la littérature archivistique, académique et biographique ayant trait à Van Gogh (une bibliographie choisie conclut chaque chapitre), pour synthétiser les faits acquis mais aussi pour faire état des points qui demeurent litigieux à ce jour.
Complément scientifique substantiel de la biographie, ces notes se prêtent très bien à une lecture plus libre et autonome ; elles ont également été publiées en ligne sur le site https://www.vangoghbiography.com, accessible depuis la notice de l’ouvrage dans le catalogue de la bibliothèque du musée d’Orsay.   A. B.


OpenEdition vous propose de citer ce billet de la manière suivante :
Centre de ressources et de recherche (7 mai 2025). Sélection des bibliothécaires – mai 2025. Le carnet des musées d’Orsay et de l’Orangerie. Consulté le 7 décembre 2025 à l’adresse https://doi.org/10.58079/13w1r


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