Ressources numériques en sciences humaines et sociales OpenEdition Nos plateformes OpenEdition Books OpenEdition Journals Hypothèses Calenda Bibliothèques OpenEdition Freemium Suivez-nous

Sélection des bibliothécaires – juin 2025

Une acquisition rare, un sujet inédit, un éclairage sur la période 1848-1914 : dans « La sélection des bibliothécaires », chaque mois, les bibliothécaires du musée d’Orsay vous proposent un regard sur une sélection de quelques ouvrages qu’ils ont souhaité mettre en avant.

Vous pouvez également retrouver l’ensemble des ouvrages, et en particulier toutes les dernières nouveautés mensuelles, sur le site de la bibliothèque de la conservation du musée d’Orsay consultable via le Réseau des bibliothèques des musées nationaux (RBMN).

La sélection de la bibliothèque de ce mois vous est proposée par Alexandre Battaglia [A. B.], Laurent Boucher [L. B.], Julien Graff [J. G.], Julie le Guillou [J. L. G.] et Vincent Pierrot [V. P.].

Cette image en noir et blanc représente une plaquette en métal sur laquelle figure la tête d'une femme qui tient contre elle un enfant, dont on ne voit également que la tête, et qui lui lit un livre qu'elle tient ouvert devant eux.
Ovide Yencesse, L’Étude, 1909
Photo © GrandPalaisRmn (musée d’Orsay) / Hervé Lewandowski

Les collections du Petit Palais sont riches de plusieurs milliers de dessins, croquis et autres esquisses préparatoires de créateurs de bijoux. L’exposition « Dessins de bijoux. Les secrets de la création » ambitionnent de faire la part belle à ces œuvres méconnues du grand public. Parfois simples pages d’un carnet, ces documents apportent de précieuses informations sur l’ensemble du processus qui entoure la création d’un bijou. Qu’il s’agisse de la recherche d’un motif, de l’élaboration de la structure ou de simples prises de notes, chaque étape nous est ici révélée.
Cette exposition est également l’occasion d’en savoir davantage sur les inspirations des créateurs grâce aux différents recueils qui nous sont présentés : des sujets comme la faune et la flore, l’Égypte antique, le Japon ou encore les arts de l’Islam occupent une place importante dans la joaillerie occidentale. Ces dessins sont malheureusement souvent victimes de la fragilité de leur support et du caractère éphémère de leur fonction. Ils ont pourtant parfois une seconde vie, quand ils servent à leur tour d’inspiration pour de nouvelles pièces. Le Petit Palais associe aussi des gouaches avec des bijoux réalisés, témoignant de l’importance du rôle du dessin tant la pièce finale est fidèle à ce dernier.   J. G.


Cote 4 E 2025 15
Consulter sur le catalogue des bibliothèques des musées nationaux

Ce catalogue est publié à l’occasion de l’exposition « Worth. Inventer la haute couture » au Petit Palais – musée des Beaux-Arts de la ville de Paris. Fruit d’une collaboration avec le Palais Galliera, cette exposition est consacrée à l’une des figures majeures de la haute couture du XIXe siècle, le Britannique Charles Frederick Worth (1825-1895), fondateur de la maison Worth. Ce grand couturier, installé en France au cours de la seconde moitié du XIXe siècle, s’est construit une solide réputation auprès des plus grandes fortunes occidentales. Familles royales, riches bourgeois ou aristocrates n’ont juré que par lui. Forte de ce succès, la famille Worth a prospéré jusqu’au milieu du XXe siècle, faisant référence dans le domaine de la haute couture, tant en termes de création que de savoir-faire.
Outre les nombreuses robes et autres vêtements, l’exposition présente un ensemble de photographies et de dessins qui retracent l’histoire de Worth. Corsets, capes, broderies et même parfums : le Petit Palais et le Palais Galliera nous racontent 100 ans d’histoire de la maison qui a habillé les personnalités les plus éminentes de ce monde.   J. G.


À l’instar de la démolition des Halles centrales de Paris en 1971, la destruction de Pennsylvania Station à New York quelques années plus tôt, en 1963, a suscité une prise de conscience, de la part du grand public comme des milieux professionnels concernés, des enjeux de la préservation du patrimoine et de l’inscription du bâti dans son environnement. Cette publication, qui a accompagné l’exposition qui s’est tenue au Centre culturel canadien à Paris en 2025, met en lumière les réalisations de trois femmes : deux architectes, Gae Aulenti et Phyllis Lambert, et une critique d’architecture, Ada Louise Huxtable. Toutes trois, nées dans les années 1920, ont pris part à la réflexion sur la coexistence des constructions et aménagements emblématiques avec des réalisations contemporaines telles que la gare d’Orsay à Paris, les bâtiments en pierre grise de Montréal, le Seagram Building et sa Plaza à New York, ou encore la Piazzale Cadorna à Milan. L’équilibre fragile entre l’ancien et le moderne, l’approche féministe d’une esthétique alors largement dominée par les hommes, l’expression d’une ouverture sur la cité créent des liens entre ces trois femmes précurseures d’une approche élargie de l’architecture.   L. B.


Cote B DEG 1 262
Consulter sur le catalogue des bibliothèques des musées nationaux

Cet ouvrage est publié à l’occasion d’une exposition à la Burrell Collection réunissant pour la première fois l’ensemble des œuvres de Degas acquises par le collectionneur William Burrell. L’exposition est enrichie de prêts exceptionnels provenant de collections publiques et privées, tant nationales qu’internationales.
Le catalogue permet de saisir l’attrait durable qu’exerça l’œuvre de Degas sur les collectionneurs britanniques à la fin du XIXe siècle : il s’attarde notamment sur le rôle essentiel joué par certains marchands d’art, tels qu’Ernest Gambart, Charles Deschamps et Alex Reid. Ce dernier identifia rapidement le potentiel du marché britannique pour l’art français contemporain et contribua à éveiller l’intérêt des collectionneurs locaux pour des figures majeures comme Monet, Pissarro, Manet et Degas. William Burrell découvrit les œuvres de Degas à l’occasion de l’Exposition internationale de 1888 à Glasgow. Séduit, il entama une collection qui finit par compter, au fil de quatre décennies, plus de vingt œuvres du maître impressionniste – un record parmi les collectionneurs britanniques.   J. L. G.


Cote 8 UP 142
Consulter sur le catalogue des bibliothèques des musées nationaux

Dans The girl in the Grass, les autrices nous plongent dans un récit poignant qui mêle histoire familiale, tragédie de la Seconde Guerre mondiale et quête de justice posthume. L’ouvrage retrace le parcours complexe de la restitution d’un tableau de Pissarro, Le Repos, paysanne couchée dans l’herbe (1882), ayant appartenu à Jaap et Ellen Van den Bergh, un couple juif néerlandais, et nous conduit dans les pas de ces parents contraints de vendre leur tableau pour financer leur cachette après l’invasion nazie des Pays-Bas. La vente, censée les protéger, fait basculer la peinture dans l’inconnu, la laissant échapper des mains de la famille pendant la guerre.
Après la Libération, une troisième fille naît, portant en elle la mémoire de ses sœurs disparues dans les camps. Longtemps ignorante du sort du tableau, elle devient l’héroïne involontaire d’une histoire de restitution. Le moment clé survient en 2016, lorsqu’une lettre inattendue bouleverse sa vie et l’amène à découvrir l’histoire de l’œuvre, cachée depuis des décennies. En documentant le périple de l’œuvre à travers des photographies, des actes officiels, des coupures de journaux et des témoignages, les autrices nous invitent à comprendre la complexité du travail de reconnaissance morale des victimes de la spoliation nazie.   J. L. G.


Témoins de leurs temps, les intérieurs des demeures nous racontent tout autant ceux qui les ont créés que ceux qui les ont habités. Pour la plupart, les décors intérieurs montrés dans cet ouvrage n’existent plus, ayant fait l’objet de réaménagements ou ayant été tout simplement détruits, mais les plus de 600 photographies contenues dans cet ouvrage, issues de la collection rassemblée par English Heritage et désormais conservée par Historic England, nous font pénétrer dans ces demeures aristocratiques, ces habitations bourgeoises ou de la classe moyenne londonienne, du XIXe siècle jusqu’à la première moitié du XXe siècle.
L’art et la créativité s’y déploient par la volonté des architectes, des décorateurs et de leurs clients. Les styles s’y succèdent, au gré des époques et des courants artistiques. Ainsi, après une domination durable du mouvement Arts & Crafts au tournant du XXe siècle, les années 1920 et 1930 voient se côtoyer un large éventail de styles, qui est allé bien au-delà de l’Art déco et du Modernisme. Ce caractère éphémère et le témoignage que représentent les illustrations qui composent cet ouvrage semblent démontrer que la décoration intérieure est l’une des plus fragiles et vulnérables des formes d’art.   L. B.


Cote 8 E 2024 21
Consulter sur le catalogue des bibliothèques des musées nationaux

Dans le sillage des travaux portant sur l’histoire des sensibilités conduits par Alain Corbin, le philosophe et historien de l’art Georges Didi-Huberman poursuit depuis plusieurs années une exploration des affects et du pouvoir des images dans les sociétés contemporaines, au regard de la culture « pervasive » du capitalisme. À ce jour, deux livres sont parus aux éditions de Minuit, avec pour titre d’ensemble Faits d’affects (1 et 2) : Brouillards de peines et de désirs (2023) et La Fabrique des émotions disjointes (2024).
Dans l’exposition « In the Troubled Air… », dont le titre provient du poème Romance de la luna, luna de Federico Garcia Lorca, Didi-Huberman évoque à la fois les courants d’airs atmosphériques et les mouvements ascensionnels des émotions. Il réunit des œuvres artistiques de tous horizons pour montrer la profusion des dérèglements affectifs dus au règne de l’économie de marché qui s’est insinuée dans toutes les strates de la vie quotidienne. Dans son livre et dans l’exposition dont il assure le commissariat, il questionne tout autant les formes de manipulations à des fins commerciales ou politiques que les émotions qui « pluralisent » et portent les mouvements d’émancipation : « nous sommes psychiquement déchirés par tout ce que le monde social et politique, économique, culturel veut faire de nous : des êtres disjoints » écrit-il dans sa préface.   V. P.


Cote B NOL 1 35 (1), B NOL 1 35 (2)
Consulter sur le catalogue des bibliothèques des musées nationaux

Cette correspondance à quatre voix constitue un apport très significatif à la connaissance de la vie et de la personnalité d’Emil Nolde : elle reproduit plus de 700 lettres échangées entre l’artiste, sa femme Ada, et Luise et Gustav Schiefler, qui furent parmi les amis et les soutiens les plus constants de Nolde. Gustav Schiefler, qui travaillait comme avocat au tribunal de district de Hambourg, et sa femme Luise ont été des collectionneurs avertis de l’art de leur temps, férus, entre autres, des œuvres de Munch et de Kirchner et promoteurs en particulier de l’expressionnisme et de la Sécession de Hambourg. Leur maison fut un espace de sociabilité majeur de la vie culturelle hambourgeoise avant la Première Guerre mondiale.
La période couverte par cette correspondance est considérable : débutés en 1906, les échanges, malgré la mort de Gustav Schiefler en 1935, se poursuivent jusqu’en 1956, couvrant toute la première moitié du XXe siècle. L’éditrice scientifique de l’ouvrage, Indina Woesthoff, souligne combien il est rare qu’un ensemble de lettres aussi conséquent soit préservé et combien leur contenu, très vivant, est d’un grand intérêt historique quant à l’œuvre de Nolde, par exemple pour la datation de ses œuvres.   A. B.


OpenEdition vous propose de citer ce billet de la manière suivante :
Centre de ressources et de recherche (4 juin 2025). Sélection des bibliothécaires – juin 2025. Le carnet des musées d’Orsay et de l’Orangerie. Consulté le 7 décembre 2025 à l’adresse https://doi.org/10.58079/1425j


Vous aimerez aussi...