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ACTUALITE. Bulletin de veille – décembre 2025

Dédié à la recherche en histoire de l’art sur la période couverte par les musées d’Orsay et de l’Orangerie, ce bulletin régulier propose une sélection d’actualités, de publications récentes ainsi qu’une veille sur les enjeux numériques relatifs au patrimoine et aux institutions culturelles.

Sommaire
Agenda ; Appels à contribution ; Culture numérique.

Agenda

Criminocorpus propose le premier musée nativement numérique dédié à l’histoire de la justice, des crimes et des peines. Ce musée produit ou accueille des expositions thématiques et des visites de lieux de justice. Ses collections rassemblent une sélection de documents et d’objets constituant des sources particulièrement rares ou peu accessibles pour l’histoire de la justice. Les rubriques législation et outils proposent des données et des instruments d’exploration complémentaires visant à faciliter les études et les recherches. Criminocorpus est lauréat de la médaille de la médiation scientifique du CNRS (2023).


Comment les arts du Moyen Âge sont-ils perçus et réinterprétés au cours du XIXe siècle ? Comment s’organisent les pratiques de collection qui se développent à cette époque ? Ce colloque est l’occasion de questionner cette réception dans les arts décoratifs, jusque-là moins étudiés que des domaines comme la peinture ou l’architecture. Il se tient en écho à ‘exposition « Le Moyen Âge du XIXe siècle. Créations et faux dans les arts précieux ».


Les grands graphes de connaissances du Web des données, tels que Wikidata, représentent une ressource d’une richesse exceptionnelle, déjà exploitée pour la recherche d’information et la recommandation. Cependant, leur potentiel reste encore sous-utilisé par les travailleurs de la connaissance.
Dans la lignée des approches issues de la science des réseaux (comme la bibliométrie pour les articles scientifiques ou la webométrie pour les pages Web), nous présentons Rankingdom, une application Web dédiée à l’analyse des entités de Wikidata. Son objectif est de positionner chaque entité au sein de son domaine en la comparant à des entités similaires à l’aide d’indicateurs inspirés de l’infométrie. Pour cela, nous proposons une structuration homogène des entités facilitant leur comparaison et leur exploration. L’interface adopte une narration de données progressive débutant par un résumé synthétique de l’entité, puis conduisant l’utilisateur d’une vision globale de son positionnement jusqu’à une analyse fine de ses éléments les plus significatifs.
Ce séminaire fait partie d’une série d’événements organisés par Les Humanités Numériques Tourangelles, et accueillera Arnaud Soulet du LIFAT – Université de Tours.


La quatrième séance du séminaire « L’œil numérique », co-animé par Laurence Danguy et Julien Schuh, interrogera les enjeux de pouvoir et de contrôle dans l’intelligence artificielle visuelle.
Cette session explorera à la fois les dimensions techniques et critiques de l’IA générative d’images, notamment la qualité et le contrôle des images produites, ainsi que les questions éthiques et juridiques liées aux droits d’auteur et à l’attribution des données.
Cette présentation s’ancre dans la longue histoire des interfaces humains-machines pour mettre en perspective leurs principes fondateurs (promesses de transparence, de naturalité et d’absence de friction) avec les mutations induites par l’IA générative. Alors que ces technologies ouvrent la voie à une potentielle ère « post-smartphone » (facial computing, interfaces neuronales, agents intégrés, vibe coding, etc.), qu’en est-il des enjeux de pouvoir sous-jacents ? Les nouvelles partitions de l’IA, entre visible et invisible, induisent-elles de nouvelles croyances et mécanismes de contrôle ? Pour traiter ces questions, nous nous intéresserons à un corpus d’exemples en art et design ainsi que sur les premières conclusions du projet de recherche « Fucking Tech! » (2024-2027), qui étudie les mutations des relations humain-machines dans le domaine des sexualités machiniques. Ces initiatives, encore éparses, montrent qu’il est possible de refonder les infrastructures et imaginaires de l’IA sur la diversité des cultures, des esthétiques et des modes de production : une IA comme bien commun plutôt que d’une IA au service des monopoles.


La quatrième journée d’études du cluster 1 de Biblissima+ « Acquisition des corpus de sources interopérables » proposera, comme les années précédentes, des présentations de projets utilisant IIIF par des institutions patrimoniales et par des chercheurs.
Le projet HikarIA sur des estampes japonaises du musée Guimet et les portails de recherche des Archives fédérales suisses et des Archives nationales de Suède explorent l’intérêt que représente IIIF dans les archives et les musées, pour diffuser et explorer les transcriptions et annotations produites manuellement ou par l’intelligence artificielle à partir de leurs collections numérisées. De leur côté, les chercheurs s’emparent de IIIF pour explorer et exploiter ces corpus d’images de plus en plus vastes. Certains développent des outils pour l’édition scientifique enrichie (PerVisum), pour l’analyse et l’annotation de contenus audiovisuels multimodaux (Arvest) ou pour le traitement par vision artificielle (Aikon), tandis que d’autres utilisent IIIF pour reconstituer virtuellement des corpus disparus ou dispersés comme les archives du Public Record Office of Ireland détruites par un incendie en 1922 ou la bibliothèque du couvent des augustins de Manille pillée en 1762.


L’objectif de cette journée d’étude est de partager des expertises franco-québécoises sur la valorisation des données culturelles pour le développement de systèmes d’intelligence artificielle. En réunissant des institutions issues du secteur des GLAM (bibliothèques, archives, musées et institutions culturelles patrimoniales) et des acteurs du savoir libre (notamment le mouvement Wikimédia), elle vise à créer des synergies entre institutions publiques et acteurs des communs numériques afin de répondre à des défis partagés liés à l’accessibilité, à la gouvernance et à l’équité des données.


Qu’est-ce que les innovations technologiques font au monde des archives ? Comment l’archivistique est-elle mise à l’épreuve ? Comment le numérique vient-il questionner à la fois le rapport des archivistes aux archives et reconfigurer les gestes professionnels des archivistes ? Les archivistes ont-ils le goût des archives numériques ? De quelles manières les archivistes se sont-ils emparés de l’outil informatique, au service de l’archivistique ? Au cœur des coulisses des infrastructures informationnelles de l’Etat, comment le numérique modifie-t-il les lieux d’archives ? Séance du 11 décembre 2025 : Introduction du séminaire, « Des jeux d’échelles en question : infrastructures numériques et organisation ». Séance du 5 février 2026 : « Des mutations des archives, entre dématérialisation et archivage électronique ». Séance du 2 avril 2026 : « L’archivistique au temps des algorithmes ».


Appels à contribution

À l’occasion de l’exposition sur Michel-Ange et Rodin, qui se tiendra au musée du Louvre du 15 avril au 20 juillet 2026, le musée du Louvre et le musée Rodin s’associent pour organiser le colloque « Mythe du sculpteur – Sculpteurs mythiques », sous la direction des deux commissaires Chloé Ariot et Marc Bormand. Cet appel à communication est ouvert à l’ensemble de la communauté scientifique, patrimoniale comme universitaire, jeune ou confirmée.
Michelangelo Buonarroti, dit Michel-Ange (1475-1564), et Auguste Rodin (1840-1917) occupent une place à part ou, plus justement, centrale dans l’histoire de la sculpture occidentale. Ils apparaissent comme deux génies, deux géants qui en viennent à incarner la figure du sculpteur, chacun à leur époque de manière écrasante, dans un écho qui s’est prolongé, voire amplifié, jusqu’à nos jours.
Les communications pourront porter sur des sculpteurs et sculptrices en particulier ou sur une période ou aire culturelle donnée, de l’Antiquité à nos jours, ou encore mettre en perspective une notion ou un concept de manière diachronique.


Fidèle à sa ligne éditoriale centrée sur l’histoire de la discipline, la revue Perspective entend consacrer son prochain numéro au naturalisme, une question complexe, qui déborde le cadre de l’histoire de l’art par plusieurs côtés et dont notre discipline s’est saisie de multiples façons. Un thème surtout dont l’actualité est brûlante, tant il résonne avec les questions écologiques qui occupent depuis plusieurs années le devant de la scène politique, les recherches en sciences de la nature et en sciences humaines et sociales. Le naturalisme est donc l’une de ces notions à l’intersection de l’histoire de l’art, d’autres disciplines scientifiques et d’enjeux de société dont Perspective s’attache à montrer la richesse et l’importance. L’enjeu de ce numéro est de retracer l’histoire de l’emploi du naturalisme en histoire de l’art et les renouvellements de la notion qui ont le plus marqué la discipline durant les dernières années, en explorant les périodes et les aires culturelles les plus diverses possible.


Comme le soulignent les historiens de la bande dessinée Thierry Groensteen et Thierry Smolderen, les liens entre ces deux formes sont anciens et peuvent même être retracés jusqu’à leur « invention » conjointe en 1827 : lorsque Nicéphore Niépce saisit le point de vue du Gras, Rodolphe Töpffer initie la « littérature en estampes ». Ce dernier publie en 1841 le premier texte critique au sujet de l’invention du daguerréotype, « De la plaque Daguerre ». Au milieu du XIXe siècle, Nadar s’essaie aux deux genres à travers ses caricatures de figures du monde artistique. Il publie en 1886 dans Le Journal illustré une série de portraits de Michel-Eugène Chevreul, chimiste connu pour son traité sur la couleur, sous forme de grille photographique. Les chronophotographies inventées par Eadweard Muybridge sont ensuite exploitées par les cartoonists comme A. B. Frost. Les tâtonnements expérimentaux et les modifications techniques permettent progressivement à la photographie et à la bande dessinée de connaître une reproduction et une diffusion de masse, dessinant un compagnonnage médiatique et culturel, en particulier dans l’écosystème de la presse imprimée. La reconnaissance et la patrimonialisation parallèle de ces deux formes, entre complémentarité et éventuelles rivalités, pourra également être abordée.


Dès leur introduction, les photographies apparaissent comme des objets vulnérables ; leur instabilité a très tôt mobilisé l’attention de savants et de photographes. Avec l’essor industriel, ce sont les fabricants de surfaces sensibles qui s’emparent du sujet et enfin, dans le dernier quart du XXe siècle, des institutions ont développé leurs propres recherches en conservation-restauration de ce nouvel objet patrimonial. La déclinaison de la photographie au travers de multiples procédés et leur matérialisation sur différents supports suscitent nombre de questionnements sur les caractéristiques des objets et leur préservation, quand l’impératif de la transition écologique oblige aujourd’hui à ouvrir de nouvelles voies de recherche pour la conservation des biens culturels. À ce titre, la photographie se trouve dès lors mise à l’épreuve face à plusieurs enjeux techniques et scientifiques, écologiques et sociétaux. Ce symposium contribuera à construire le récit de cinquante années de recherche sur la préservation du patrimoine photographique tout en prenant part à l’élaboration de la prospective sur les nouveaux défis de sa conservation.


La conférence « Arts and Crafts in the Late Ottoman Empire » vise à faire progresser la recherche en histoire de l’art et en études interdisciplinaires sur les pratiques et les concepts de la culture matérielle dans les territoires ottomans entre le XVIIIᵉ et le début du XXᵉ siècle. Tout en accueillant des contributions portant sur l’ensemble des géographies de l’Empire, notre appel à communications met l’accent sur la Syrie ottomane tardive comme cas d’étude permettant d’élargir les horizons analytiques et historiques des études sur l’art et l’architecture islamiques, et de contribuer aux débats plus larges dans les historiographies ottomane et arabe de la modernité. Nous encourageons les auteurs à considérer les cadres analytiques – temporalités, épistémès et matérialités – qui sous-tendent l’enquête critique de la conférence sur les modernités enchevêtrées des arts et crafts ottomans.


De 1821, année du déclenchement de la guerre d’indépendance grecque, à laquelle la France prit une part active et qui contribua à la redécouverte d’un patrimoine grec médiéval encore méconnu, à 1931, date de la première exposition internationale d’art byzantin à Paris, l’intérêt pour Byzance en France ne cessa de s’intensifier. Cet engouement se manifesta dans l’ensemble des domaines artistiques, de la peinture et de la sculpture à l’architecture, aux arts décoratifs, mais aussi aux arts de la scène, à la mode et au cinéma. Parallèlement à la redécouverte ou la réinvention des arts du Moyen Âge occidental à la même époque, Byzance, insaisissable et rêvée, accompagna l’émergence d’un champ nouveau qui, au fil de ces mêmes décennies, s’est structuré et institutionnalisé : les études byzantines.
Dans le dynamique contexte actuel de la redécouverte historiographique de Byzance, de ses collections et des approches élaborées aux XIXe et XXe siècles, ce colloque se propose d’examiner la réception de Byzance à travers les productions artistiques et leurs processus créatifs. L’accent sera porté sur les œuvres réalisées en France, tout en ouvrant la réflexion à des comparaisons avec celles produites en Europe occidentale, centrale et orientale, en Amérique et autour de la Méditerranée. Sur fond d’enjeux esthétiques, politiques, religieux et scientifiques, les créations des artistes français révèlent des visions multiples de Byzance, façonnées par les techniques qu’ils privilégient et les époques dans lesquelles ils s’inscrivent.


Le 2 avril 2026, le musée Sainte-Croix de Poitiers inaugure une exposition temporaire intitulée « Sarah Lipska (1882-1973). L’art dans tous ses éclats », consacrée à l’artiste d’origine polonaise installée à Paris dès 1912, dont Poitiers conserve le plus important fonds public au monde. La pratique protéiforme de Sarah Lipska se situe à la croisée de plusieurs disciplines artistiques. Au cours de sa carrière, elle s’illustre simultanément en peinture, en sculpture, dans la décoration, la mode et les arts de la scène. Si ces multiples champs d’activité correspondent à des espaces de création et de diffusion distincts, le dialogue entre les savoir-faire et les esthétiques révèle toutefois une porosité féconde entre eux. Cette approche plurielle des arts s’inscrit dans le contexte foisonnant des avant-gardes européennes de la première moitié du XXe siècle, nourries par le concept d’art total ou Gesamtkunstwerk théorisé au siècle précédent. Les Arts and Crafts britanniques, la Sécession viennoise, les Ballets russes ou encore le Bauhaus incitent les artistes à dépasser les hiérarchies latentes entre beaux-arts et arts appliqués. Dès lors, les pratiques de décloisonnement deviennent motrices d’une « modernité » qui exalte la circulation des formes, des motifs et des techniques mais aussi l’hybridation des pratiques.


Représenter signifie reproduire, mais aussi plus littéralement rendre présent ou montrer à nouveau. Ainsi, représenter l’Histoire suggère une présence du passé dans le présent, un passé que l’on rejoue et parfois réexpérimente. Nous entendons ici questionner les différentes perceptions de l’Histoire à différentes époques et dans des espaces multiples. Quelles sont les modalités de représentation de l’Histoire par différents médiums artistiques ? Comment la discipline universitaire perçoit-elle ces autres formes de récit historique ?
Réflexions historiographiques ou études de cas sur des œuvres spécifiques, les communications pourront s’ancrer dans trois principaux axes : nous souhaitons dans un premier temps considérer les relations entre mythe et histoire, avant de considérer les représentations historiques au sein de diverses disciplines artistiques (littérature, peinture, cinéma, jeu vidéo…), pour enfin questionner l’impact de ces représentations dans les imaginaires collectifs.


Cet objet représente une longue défense d'éléphant, d'ivoire couleur marron et jaune, enchâssée dans un socle de bronze représentant trois serpents entrelacés et la bouche ouverte, semblant se battre.

Un appel à contributions est lancé pour la préparation du deuxième numéro de la revue 48-14. La nouvelle revue scientifique des musées d’Orsay et de l’Orangerie, à paraître en 2027, qui sera consacré aux relations entre art, matière et environnement au tournant des XIXᵉ et XXᵉ siècles.
Chercheuses et chercheurs sont invités à proposer des études qui articulent, autour d’objets précis, des réflexions sur les diverses manières dont les artistes conçoivent le lien entre matière et environnement, qu’il participe à la construction de l’opposition entre nature et culture ou, au contraire, à sa remise en cause.
Le deuxième numéro de 48-14 propose d’explorer ces questions dans une perspective d’histoire de l’art à la fois pluridisciplinaire (arts visuels, arts décoratifs, architecture, photographie, cinéma…) et globalisée, en se concentrant toutefois sur la période des collections des musées d’Orsay et de l’Orangerie, soit de 1848 à 1927.


Théia. Revue d’histoire et histoire de l’art lance un appel à Varia pour son troisième numéro, à paraître en novembre 2026. Revue consacrée à la recherche en histoire et en histoire de l’art des périodes modernes et contemporaines (XVe-XXIe siècle). Les interactions entre histoire et histoire de l’art, par le biais notamment des cultures visuelles et matérielles, forment un des socles importants de la revue.
Le numéro thématique 2026 coordonné par Audrey Colonel, Stéphane Gal et Erika Wicky porte sur « Histoire expérimentale et sensorialités ». Les Varia peuvent, par exemple, accueillir des comptes-rendus de journée d’études ou de colloques, ou des articles non liés à la thématique principale du numéro.


Le colloque international « Les affiches : entre art, publicité et communication interculturelle », organisé à l’université de Lorraine (Nancy) les 3 et 4 décembre 2026, propose une réflexion pluridisciplinaire sur l’affiche comme objet artistique, médiatique et interculturel. En croisant les approches historiques, esthétiques, sémiotiques et traductologiques, il interrogera les fonctions sociales, symboliques et communicatives de l’affiche, de ses origines à nos jours. Véritable miroir des sociétés et vecteur d’échanges entre cultures, l’affiche sera envisagée comme un espace d’expression et de circulation des imaginaires, entre art, publicité et communication interculturelle.


Culture numérique

L’équipe d’Episciences dresse un premier bilan de sa participation au réseau de la Global Sustainability Coalition for Open Science Services (SCOSS) dans un billet publié sur le Blog du CCSD. Renforcement de la visibilité internationale, participation active à une communauté de pratiques de l’écosystème de la science ouverte et consolidation des soutiens institutionnels sont les trois bénéfices que retire Episciences de son implication dans ce réseau international. La participation au cycle de financement de cette année permet de renforcer le pilier “soutien institutionnel” du modèle de financement que s’est donné Episciences.


OpenEdition vous propose de citer ce billet de la manière suivante :
Centre de ressources et de recherche (4 décembre 2025). ACTUALITE. Bulletin de veille – décembre 2025. Le carnet des musées d’Orsay et de l’Orangerie. Consulté le 13 janvier 2026 à l’adresse https://doi.org/10.58079/15a0s


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